INTRODUCCIÓN
– A principios del siglo XX surge la necesidad de racionalizar y sistematizar la enseñanza musical que hasta entonces se reducía a adquirir cierta habilidad instrumental o compositiva.
– El movimiento de revolución y renovación pedagógica conocido como “Escuela Nueva” da a la música el impulso definitivo. Con la “Escuela Nueva” se termina el tradicionalismo y se instauran los principios de Libertad, Actividad y Creatividad en la Educación.
– A partir de los años 20 y 30 comienzan a notarse sus efectos a la pedagogía musical donde surgen pedagogos como Jacques Dalcroze, cuyo pensamiento es el punto de partida de la larga serie de transformaciones llevadas a cabo más tarde por Willens, Kodaly, Orff y otros.
– El punto de partida de las corrientes pedagógicas-musicales del XX es la idea de que la música forma parte de la realidad del niño. Así la Educación Musical puede ser atendida en una doble vertiente:
– Educación para la música
– Educación a través de la música.
A partir de ésta última surge la integración de la Música en la escuela, para que esté al alcance de todos y no de unos pocos. Aquí la música pierde el carácter elitista que tenía en el siglo XIX.
– 2 etapas en la Pedagogía musical del XX:
– a) Primera mitad del XX, etapa de Revolución, descubrimiento de una sistematización racional de la educación muisical.
– b) Década de los 60, etapa de revisión, acentualización de los métodos elaborados anteriormente.
– En la actualidad siguen apareciendo métodos que aportan nuevos enfoques a partir del trabajo directo con los niños, si cambiar los principios básicos generales.
PRINCIPIOS BÁSICOS PEDAGÓGICO-MUSICALES EN EL S.XX
– Principios comunes a las diferentes corrientes:
– El niño tiene un papel activo en la educación, debe ser capaz de percibir estímulos, comprenderlos, transformarlos y expresarlos. El niño es partícipe y protagonista del proceso educativo.
– La música permite expresiones creativas: desarrolla la imaginación.
– La música debe incorporarse por medio del juego, que es la base de todo desarrollo humano.
– La educación musical debe ser considerada en todo momento en su doble vertiente:
a) como fin: orientada a una actividad musical profesional
b) como medio: para el desarrollo integral del niño
– Las distintas corrientes están estructuradas de una forma similar a la práctica musical:
a) se basan en el ritmo como punto de partida
b) se incorporan después los instrumentos corporales y la voz como manifestaciones más cercanas a la realidad del niño
c) se termina con la expresión instrumental como expresión musical más elaborada:
– Las diferencias entre las distintas corrientes está más en el método que en los principios básicos. Su aportación es que incorporan a la música a la educación global en el aula.
ANÁLISIS Y PROYECCIÓN DE LAS DIFERENTES CORRIENTES PEDAGÓGICO-MUSICALES DEL S. XX EN LA EDUCACIÓN MUSICAL ESCOLAR.
– Se han hecho investigaciones a cargo de la UNESCO en la 2ª mitad del siglo sobre la repercusión de la introducción de la música en la escuela. Se hicieron estudios en los campos de la personalidad, creatividad y fantasía.
Resultado: los niños que estudian música no son mejores en otras materias, la música no tiene influencia decisiva sobre la adquisición de conocimientos, PERO:
– ejerce influencia decisiva en el proceso de formación intelectual y desarrollo psíquico durante la edad escolar.
– Fomenta el desarrollo psíquico y la madurez mental à estos aspectos son la base de las nuevas corrientes pedagógicas.
– Por otra parte:
– La música es la única rama del desarrollo humano que hace uso de todas nuestras capacidades (mentales, físicas y nerviosas).
– La música contribuye al desarrollo de la personalidad (la música es por naturaleza orden, equilibrio y es una disciplina intelectual relacionada con el razonamiento lógico y matemático)
– Contribuye al desarrollo emocional, es una vía de escape de las emociones.
Valores que desarrolla:
– Optimismo, autoconfianza, respeto por los demás, flexibilidad.
– Fomenta la capacidad de expresión y comunicación.
– Es una valiosa ayuda para el resto de materias, su ejercicio es esencial para mantener el equilibrio entre cuerpo y mente y entre aspectos emocionales y expresivos. Ofrece una gran sensación de bienestar y de confianza en sí mismo, elementos esenciales para el desarrollo total de la persona. (extracto de Música y Educación)
JACQUES DALCROZE (1865-1950)
– Es el pionero de la educación musical. Profesor del conservatorio de Ginebra, rechazó el enfoque teórico tradicional de la educación musical y combatió la tendencia dominante de considerar a la musicalidad como una característica innata.
– Experimentó el fenómeno musical mediante la experiencia física de los elementos de la Música. Mediante la abstracción de dichos elementos analizó la expresión musical a través del movimiento del cuerpo.
– Comprender la música significa realizar nuestro propio ordenamiento de los sonidos. Esta comprensión de la música (ya sea canto, audición, instrumentación…), puede estar facilitada mediante nuestro movimiento en relación al tiempo, espacio y energía.
– Desarrollo de la imaginación auditiva mediante símbolos, mediante experiencias y mediante el canto que es la expresión de dichas experiencias.
– Dio gran importancia a la improvisación como expresión natural y su conexión con la actividad física.
– Considera al ritmo como organizador de los elementos musicales. Para Dalcroze “ritmo es movimiento”, “el ritmo asegura la perfección de las manifestaciones de la vida”.
– El ritmo está ligado al movimiento físico, utilizó el cuerpo como un auténtico instrumento musical.
– Concibió una educación “por y a través” del ritmo, es la llamada Euritmia de Dalcroze. Principios básicos:
– La relación tiempo-espacio-energía del movimiento corporal tiene su contrapartida en la expresión musical.
– La Musicalidad puede ser estimulada mediante el movimiento corporal consciente, unido a la percepción auditiva y la imaginación (audición interior).
– Se pueden idear actividades y experiencias que faciliten la relación de Musicalidad con movimiento. Esto conlleva un aumento de la sensibilidad y de la capacidad del manejo de los elementos musicales.
– Es un método activo de educación musical mediante el que se desarrollan el sentido y el conocimiento musical a través de la participación corporal en el ritmo musical. Es un “solfeo corporal” que permite una mejor comprensión del lenguaje musical, de nuestra personalidad y la de los demás.
– Para la aplicación de estos principios Dalcroze ideó diferentes ejercicios y juegos musicales basados en la coordinación entre conocimiento y movimiento, como medio para desarrollar la percepción, compresión y expresión musical.
Ejemplo: correr con un bastón
Correr corcheas que toca el profesor al piano, de vez en cuando intercala una negra. Los niños se detienen y la repiten con un golpe de bastón:
PERCEPCIÓNàCOMPRESIÓNàEXPRESIÓN
– La improvisación al piano por parte del profesor es obligada ya que es la única manera de adaptar constantemente la música a los movimientos de los alumnos. La utilización sistemática de casetes constituye una herejía a este respecto. Si se pretende que los niños sean creativos es preciso que el maestro improvise, por tanto la improvisación es uno de los pilares del método Dalcroze junto al solfeo y la rítmica. Así las tres materias básicas de su método corresponden a tres principios de trabajo fundamentales:
– La rítmica: I. La experiencia sensorial y motriz
– El solfeo: II. El conocimiento intelectual
– La improvisación: III. La educación rítmica y musical
– I. La experiencia sensorial y motriz
Es la primera forma de comprensión. El cuerpo se pone en acción conducido por la música de forma instintiva. Es una educación musical de base a la vez que una educación de la sensibilidad y de la motricidad. Se puede empezar su práctica a los 2, 3 años.
– II. El conocimiento intelectual.
Se introduce una vez adquirida la experiencia sensorial y motora. El solfeo Dalcroze se apoya en el canto y en movimiento corporal para desarrollar las cualidades musicales de base: desarrollo auditivo, sentido rítmico, sensibilidad nerviosa, y expresión espontánea de sensaciones emotivas.
– III. La educación rítmica y musical.
Es una educación de la persona mejorando sus facultades corporales y mentales y mejorando las posibilidades de consciencia personal mediante la improvisación.
La rítmica no se ocupa especialmente de la técnica musical ni corporal, se ocupa de la relación entre la música y el individuo. Es ante todo un método de cultura humana, un medio y no una finalidad.
– Movimientos:
– Comenzará por el paso natural del niño, más tarde saltos, balanceos, cambios de velocidad y dirección…
– El método Dalcroze no se limita a la iniciación musical, fue concebido como un sistema completo de educación musical: hasta el más mínimo detalle sonoro tiene su equivalencia corporal.
– La educación musical moderna ha adoptado definitivamente el método Dalcroze y su educación rítmico-corporal, especialmente en la etapa de iniciación.
CARL ORFF (1895-1982)
– Compositor alemán conteporáneo.
– Investiga la naturaleza del sonido y del ritmo y su percepción humana, llegando a establecer una relación entre música y movimiento corporal.
Fruto de esta investigación es su obra “Schulwerk” donde expone sus teorías a cerca de la enseñanza musical.
– Orff toma como base de su método los ritmos del lenguaje. La palabra es la célula generadora del ritmo y éste es el elemento básico de la música.
– El ritmo nace del lenguaje hablado, lentamente se va musicalizando con 2, 3, 4, 5 notas y es posteriormente transmitido al cuerpo.
– Se comienza por lo más cercano al niño: el recitado rítmico, esas fórmulas rítmicas se experimentan a través de palmas, pies… (a través de los elementos corporales).
– Posterormente se pasa a la entonación rítmica comenzando por el intervalo de 3ªm (sol-mi) que es el más natural para el niño. Se ampliará la-sol-mi; la-sol-mi-do; la-sol-mi-re-do o escala pentatónica.
– La formación melódica basada en canciones populares se amplía hasta llegar a la escala diatónica con sus dos modalidades: M y m.
– El desarrollo vocal se complementa con la expresión instrumental que aporta una dimensión armónica y tímbrica a la expresión musical.
La dimensión instrumental constituye una de las grandes aportaciones de Carl Orff. La incorporación del instrumental Orff a la educación musical escolar hace consciente al niño del descubrimiento musical, posibilita hacer música en grupo, crear nuevas formas y tomar consciencia de los diferentes elementos musicales, y todo ello produciendo música con una calidad tonal equilibrada.
– para Orff la primera meta de la educación musical es el desarrollo de la facultad creativa que se manifiesta con la improvisación.
Será necesario que el niño participe en la composición de melodías, acompañamientos y diálogos musicales en grupo.
La improvisación se puede tratar desde diferentes perspectivas:
– tocar y cantar melodías sobre un bajo ostinato o bajo armónico
– completar y ampliar melodías
– añadir acompañamientos
“El Schulwerk siempre proporcionará un estímulo para un nuevo desarrollo, nunca está concluido, siempre se está desarrollando” (Orff).
PRINCIPIOS BÁSICOS (según la Asociación Orff de París)
1. Respeto al niño.
– Cada niño es diferente, tiene su desarrollo, posibilidades y aptitudes.
2. Participación del niño en su propio aprendizaje.
– El maestro no debe enseñar sino educar, no importa el aprendizaje sino el despertar inquietud, no importa el saber sino el ser.
3. El niño debe encontrar interés en su aprendizaje.
– La finalidad de una pedagogía activa no es la música sino el hombre. El problema del niño no será conocer la música sino hacerla y vivirla.
4. Parte de una música elemental.
– “Cuanto más sencilla es la expresión, más directo es su efecto”.
5. Música para todos.
– El método Orff se sitúa en los límites del aprendizaje y de la experiencia de cada uno.
6. No sólo música.
– La música formara parte de una misma unidad junto al movimiento, la danza y el lenguaje.
7. Música en la que se participa como ejecutante.
– No como oyente. El hecho de participar es más importante que el resultado.
8. Música de grupo.
– Todos son músicos y espectadores a la vez.
9. Cuanto más joven, más importante será la iniciación y el aprendizaje.
10. Cada elemento de la música (ritmo, melodía, armonía, timbre, forma) será vivido a través de actividades musicales de audición, interpretación e improvisación y con medios de expresión como el cuerpo, la voz y el instrumento.
ZOLTAN KODALY (1882-1967)
– Destacado compositor, creó la Escuela Musical Húngara.
– No crea sólo un método, desarrolla una filosofía sobre la importancia de la música en la vida del niño, del joven y del adulto.
PRINCIPIOS GENERALES
1. Música para todos, aunque no se aprenda un instrumento.
La música toca los puntos vitales del alma que no pueden ser alcanzados por otros medios.
2. El aprendizaje musical debe seguir un proceso de lo simple al o complejo.
3. No deben existir cortes en el aprendizaje musical.
4. El adiestramiento musical debe comenzar lo antes posible. “La educación musical comienza en el niño 9 meses antes de nacer…la madre” (Kodaly).
5. La participación en actividades musicales influye ventajosamente en las aptitudes intelectuales y físicas.
– Junto a Bartok realiza un exhaustivo estudio del folklore húngaro. Parte del folklore como raiz cultural y como realidad musical más cercana al niño y se basa en el canto como actividad base de la enseñanza musical.
– El canto es el mejor camino para enseñar y aprender música. Forma parte de nuestra función fisiológica. Es más fácil tocar una melodía que ya ha sido previamente cantada.
Aspectos que pueden desarrollarse mediante el canto:
– interpretación
– memoria
– ritmo silábico
– coordinación (canto con instrumentos corporales)
– relaciones de altura
– audición múltiple (armónica y polifónica)
– comprensión de la forma
– improvisación (que conduce a la composición)
– lecto-escritura musical
– oído interno
– Recursos didácticos:
– Destacan los juegos de movimiento y sobre todo la utilización de la fononimia.
– El do móvil o solfeo relativo considera por igual a todas las tonalidades, nos descubre las relaciones entre los diferentes grados, la función armónica, ayuda a la buena entonación y lectura y ayuda al oído interno.
– El solfeo silábico que relaciona fonemas con figuras rítmicas: ta, ti-ti, etc
– Kodaly articula la formación musical en dos niveles:
1º nivel. (de 3 a 6 años)
Se basa en actividades musicales y juegos con canciones. Estas actividades son habituales y se complementan con dos periodos semanales de 30’ que se utilizan para desarrollar el oído y el ritmo, para cantar con claridad y exactitud.
2º nivel. (de 6 a 17 años)
Lo estructura en 8 cursos, en 1º se dan dos clases de canto semanales de 30’, en el resto de cursos se amplía a 50’. De 5º a 8º se programan además dos sesiones semanales de Canto Coral con alumnos seleccionados.
Esta estructuración de la enseñanza musical se mantiene en la actualidad en Hungría. EDGAR WILLENS (1889-1978)
– Su aportación es que introduce una dimensión psicológica en la educación musical.
“ El verdadero pedagogo es al mismo tiempo un psicólogo, debe ser capaz de interpretar la actividad interior del alumno durante la ejecución de un ejercicio, advirtiendo todos los mecanismos que intervienen: el intelecto, la sensibilidad y la motricidad” (Willens)
– La pedagogía de Willens se basa en el estudio profundo del hombre y de la música, de ahí extrae los principios y relaciones psicológicas en las que debe apoyarse la educación musical.
– Para Willens el hombre y la música repiten las mismas leyes y proporciones que rigen la naturaleza.
MUSICA HOMBRE NATURALEZA
POLO MATERIAL sonido à cuerpo à reino mineral
ritmo à vida fisiológica à reino vegetal
melodía à vida afectiva à reino animal
armonía à vida mental à reino “hominal”
POLO ESPIRITUAL arte musical à vida supramental
– El polo material es lo primero que se debe explorar. Por ello su objetivo principal será el desarrollo del sentido auditivo: a este respecto desarrolla un exhaustivo trabajo pedagógico reuniendo colecciones de materiales sonoros y experiencias de discriminación auditiva para investigar el universo sonoro.
– Para Willens el ritmo es vida, movimiento ordenado. El sentido rítmico es innato en el niño: la función del maestro no es enseñar sino ejercitar su sentido rítmico natural.
– La melodía nace de la afectividad. El sentimiento melódico tonal, las series melódicas están grabadas en el niño como resultado de la música que escucha desde su nacimiento. Igual que en el ritmo, el maestro no le enseña las series melódicas, las aísla, dándoles un nombre y un símbolo escrito a través de diferentes ejercicios.
– La conciencia de los elementos armónicos a nivel sensorial y afectivo se lograrán sólo con la participación plena de las funciones mentales.
– Sólo la música puede musicalizar al niño. El maestro es un mero guía, un intermediario en el proceso de musicalización entre la música y el niño.
OTRAS APORTACIONES
– Dalcroze, Orff, Kodaly y Willens desarrollan las corrientes pedagógicas fundamentales del s. XX También cabe destacar otras aportaciones metodológicas como son:
MAURICE MARTENOT
– Se basa en la invención y la improvisación colectiva, vincula los elementos musicales a los del lenguaje. Su principal aportación es hacer constancia de la necesidad de intercalar momentos de relajación y juegos de silencio en el desarrollo de la actividad musical. Así propone diferentes ejercicios de relajación y respiración para favorecer la concentración:
– sentarse o echarse, ojos cerrados, escuchando los sonidos del ambiente.
– balancearse, moverse como un muñeco de trapo.
– contrastes entre movimientos de tensión y relajación.
JUSTINE WARD
– Se centra en la formación vocal y el control de la voz mediante variados recursos (fononimia, notación numérica, “do móvil”). Su método se basa en el Canto Gregoriano.
MARIA MONTESSORI
– Su estudio se centra en el desarrollo de la sensorialidad auditiva para lo que utiliza diferentes materiales y objetos sonoros. Aplica su sistema de la educación de los sentidos a los niños ciegos.
MÉTODO SUZUKI
– Es la más importante aportación oriental a la educación musical de occidente. La enseñanza individual será el punto de partida de la educación musical que llegará a su plenitud con la práctica musical en grupo.
– Se basa en el aprendizaje instrumental (inicialmente el violín aunque ya se ha extendido a otros instrumentos) y el proceso educativo involucra a niños, padres y educadores.
– En la actualidad siguen apareciendo nuevos métodos que son adaptaciones o renovaciones de los anteriores que surgen de la experiencia directa del trabajo en el aula.
RESUMEN DEL TEMA.
– La renovación pedagógica de principios del XX llegan a efectos con la incorporación de la Educación Musical a la escuela.
– El descubrimiento de las posibilidades que la Educación Musical ofrece al desarrollo integral de la personalidad del niño provoca la aparición de diferentes corrientes pedagógicas musicales.
– Las diferentes corrientes se basan en los principios educativos procedentes del movimiento “Escuela Nueva”, donde el niño será el centro y protagonista de la educación y los aprendizajes partan del juego (la actividad más cercana al niño).
– La educación pasa a considerarse en una doble dimensión:
- Educación “para” la música, que conducirá a una posterior enseñanza especializada.
- Educación “a través” de la música, destacando las contribuciones que la música puede hacer dentro del desarrollo educativo general.
– Partiendo de estos principios generales, cada corriente aportará diferentes métodos, materiales, procedimientos, etc, basados en diferentes concepciones de la actividad musical:
– Dalcroze: descubrimiento del movimiento corporal como base para el desarrollo rítmico del ser humano.
– Orff: descubrimiento del valor rítmico y expresivo del lenguaje hablado y su relación con el lenguaje musical.
– Kodaly: utilización del propio folklore como punto de partida del aprendizaje del lenguaje musical.
– Willens: estrecha relación entre pedagogía y psicología evolutiva.
– Ward: valoración del aspecto vocal.
– Martenot: importancia de la relajación y la respiración.
– Suzuki: adaptación del aprendizaje de la música al instrumento.
CONCLUSIONES.
– Hoy en día estas “nuevas ideas” y métodos están integrados en la práctica educativa.
– La experiencia directa en el aula y las adaptaciones de dichos métodos a la diversidad socio-cultural han permitido sucesivas actualizaciones.
– Todos son importantes y su conocimiento permite al maestro elegir lo más idóneo para trabajar en cada momento, elaborando su “método personal” de acuerdo con el contexto educativo y su propia experiencia.
– Desde el punto de vista de la PERCEPCIÓN cada método aporta diversos materiales y experiencias que muestran las variadas formas de acercarse a la música.
– Desde el punto de vista de la COMPRENSIÓN, cada método provee al maestro de diferentes procedimientos para favorecer la asimilación por parte del niño de los elementos musicales.
– Desde el punto de vista de la EXPRESIÓN, destaca el valor dado a la improvisación y a las posibilidades creativas del niño. La organización de experiencias llevan al niño desde lo conocido a la investigación de sus posibilidades ilimitadas.